Berlin

Objects of Wonder: British Sculpture from the Tate Collection. 1950s – Present

David Annesley: Swing Low, 1964, Stahl, bemalt, 1283 x 1759 x 368 mm,© David Annesley. Foto: © Tate Images credit. Fotoquelle: PalaisPopulaire, Berlin

Teatime is over: Ein silbernes Teekännchen lässt Cornelia Parker an den weißen Klippen von Dover hinunterfallen. Unten fischt sie das verbeulte Objekt, nun unbrauchbar geworden, vom Strand. Ist das schon Skulptur? Seine Blessuren stellt das Gefäß auf vornehmen Füßchen stolz aus. Auch einen Silberlöffel hat die britische Künstlerin traktiert; ihr fragiles Drahtgespinst ist als Besteck nicht wieder zu erkennen.

Unbekannte im Sortiment

Das Treibgut aus den Ateliers der Nachkriegsmoderne und Gegenwart besticht durch Vielfalt: Britische Skulptur erweist sich als überaus phantasievoll, heiter, provokant, erfinderisch oder aggressiv. Zwar sind Bildhauer und Künstler wie Henry Moore, Tony Cragg, Richard Deacon oder Superstar Damien Hirst auch hierzulande berühmt. Aber die Tate-Kuratoren bieten auch Unbekannteres – ist es mehr als ein Gemischtwaren-Sortiment made in Great Britain?

Impressionen der Ausstellung; © Palais Populaire

Pro Künstler nur eine Arbeit

Als die Deutsche Bank im September 2018 ihr neues Ausstellungshaus im generalsanierten Kronprinzessinenpalais Unter den Linden eröffnete, breitete sie die Schau „The World on Paper“ allzu üppig aus. Die dicht gedrängte Überfülle von Grafik-Arbeiten nervte und ermüdete mit dem Anspruch, möglichst viel von den eigenen Beständen zu zeigen. Droht ein Zweitaufguss dieses Konzepts, jetzt mit Plastiken?

Nein: Die verwinkelten Stellwände sind verschwunden; der Blick kann schweifen, die Werke atmen freier. Trotzdem wird den Besuchern zugemutet, sich vom Untergeschoss bis zum ersten Stock in einer ziemlich heterogenen Mischung zurechtzufinden. Pro Künstler wird je eine Arbeit gezeigt – das sorgt für ein Wechselbad der Konzepte und Skulpturen. 17 der ausgestellten Werke wurden von Künstlerinnen geschaffen.

Schaum-Plastik aus Seifenblasen

Im Untergeschoss duftet es dezent nach Seife. Hier schäumt ein Remake vor sich hin: David Medalla baute 1961 die Skulptur einer Seifenblasen-Maschine. Im Schneckentempo wälzt sie ein fragil-flüchtiges Schaumvolumen als amorphe Plastik in die Höhe. Damit löst sich das klassisch gewichtige Prinzip der Bildhauerei buchstäblich in Luft auf.

Wie sich Britanniens Künstler im Lauf des 20. Jahrhunderts von der Tradition emanzipierten, machen am Anfang der Ausstellung frühe Arbeiten der Zwischenkriegs-Generation nachvollziehbar. Eine wunderschöne, kleine Alabasterarbeit von Henry Moore ruht hier neben einer spröden Assemblage aus Fundstücken von der weniger bekannten Eileen Agar und einer kaum 15 Zentimeter großen Arbeit von Barbara Hepworth.

Wie kriegsversehrter Roboter

„Geometry of fear“ („Geometrie der Angst“) nannte der Kunsthistoriker Herbert Read 1952 den Existenzialismus der Nachkriegs-Bildhauer: Der Krieg steckte allen noch in den Knochen. Elisabeth Frinks Bronze „Bird“ kauert mit angelegten Flügeln wie im eisigen Gegenwind. Geoffrey Clarke skelettierte eine „Woman“ zum abstrakten Formengerüst. Und der „Cyclops“ von Eduardo Paolozzi stakst steif wie ein kriegsversehrter Roboter. Von solchen Albträumen löste sich die nächste Generation.

Nun arbeitet man mit Materialien wie Plexiglas, Messingdraht oder Sperrholz. Knallgelb bringt Antony Caro eine konstruktivistische Form in seiner Stahlskulptur „Yellow Swing“ zum Tanzen. Auch andere greifen zum Schweißbrenner – oder sie lachen über Industrie-Werkstoffe: Die rosige Riesenspirale „Tra-La-La“ von Philip King verquirlt respektlos abstrakte Traditionen. Pop Art lässt grüßen.

E-Gitarre aus Waschmaschine

Schnöde Alltagsdinge werden ebenfalls zur Kunst geadelt: durch die Tücke des Objekts. Zwei Zinkeimer verbinden sich zum surrealen Siamesische-Zwillinge-Objekt. Aus einer alten Waschmaschine wird mittels Blechschere eine E-Gitarre geschnippelt. Natürlich fügt sich das in damals vorherrschende Kunstströmungen ein, aber die Briten haben doch ganz eigenen Humor.

Brustimitate mit Zigaretten ausstopfen

Noch bunter trieben es die „Young British Artists“ (YBA) in den 1990er Jahren: Die cleveren Selbstvermarkter verschafften sich mit kalkulierten Skandalen schlagartig weltweites Aufsehen. YBA-Starkünstler Damien Hirst schockiert hier nicht mit einem Tigerhai in Formaldehyd, sondern präsentiert Schränke voller medizinischem Anschauungsmaterial.

Farbechte Kunststoffmodelle von Körperteilen, Hautpräparaten und Föten im Uterus machen deutlich, dass nicht nur die Bildhauerei plastische Abbilder des Körpers erzeugt. Stärker unter die Haut geht der Anblick des stählernem Baby-Klinikbetts von Mona Hatoum: Es gleicht einem Foltergerät. Einem Sperrholzstuhl schnallt dagegen Sarah Lucas einen BH mit prallen Brustimitaten um, die sie mit Zigaretten ausstopft – igitt! Bei der Suche nach noch nie benutztem Material schrecken manche Künstler vor nichts zurück.

Guter Epochen-Überblick

Diese „Objects of Wonder“ provozieren, fordern den Betrachter heraus und bereiten ihm auch Vergnügen. Dass die Auswahl willkürlich erscheint, versteht sich von selbst; zu groß ist die Bandbreite dessen, was britische Künstler seit 1950 geschaffen haben. Doch die beherzte, straffe Zusammenstellung gibt einen exemplarischen Überblick über die Entwicklung der Gattung in mehr als einem halben Jahrhundert – nicht nur in Großbritannien.