Riehen/ Basel

Matisse – Einladung zur Reise

Henri Matisse: Dekorative Figur vor ornamentalem Grund (Detail); 1925/26, Öl auf Leinwand, 130 x 98 cm, © Succession H. Matisse / 2024, ProLitteris, Zurich. Foto: © Centre Pompidou

Schöne Idee: eine Ausstellung als Einladung zur Reise. Auf ihr soll man Matisse nach Südfrankreich, Marokko, Algerien oder Tahiti folgen und dabei zugleich die verschiedenen Schaffensperioden des Künstlers durchschreiten. Doch Kurator Raphaël Bouvier geht es vor allem um etwas anderes: „L’Invitation au voyage“ ist der Titel eines Gedichts von Charles Baudelaire aus dem Jahr 1857, auf das der Maler explizit Bezug nahm.

Größte Werkschau seit 2019

Wie er dies umsetzte, sollen mehr als 70 seiner Werke zeigen; in der laut Veranstalter größten Retrospektive im deutschsprachigen Raum seit 20 Jahren. Wobei die Schau „Inspiration Matisse“ in der Kunsthalle Mannheim 2019 ebenfalls rund 70 seiner Arbeiten aufbot – dazu noch 60 von seinen Schülern, mit denen sie verglichen wurden.

Impressionen der Ausstellung; © Vernissage TV

Leitfigur des Fauvismus

Auf dem mit der Baudelaire-Zeile „Luxe, calme et volupté“ betitelten Bild von 1904 sind seine Frau und einer seiner Söhne gemeinsam mit nackten Badenden am Golf von Saint-Tropez zu sehen. Damals experimentierte Matisse mit der pointillistischen Maltechnik: Mit flirrenden Farbpunkten fing er das Licht des Südens ein und entwarf ein Idealbild der mediterranen Idylle.

Jedoch kündigt sich bereits eine ganz andere Bildsprache an, die 1905 auf dem Gemälde „La fenêtre ouverte“ greifbar wird. Durch „Das offene Fenster“ blickt man auf Segelboote, Strand und Meer: mit scheinbar spontanen Pinselstrichen werden ungemischte Farben kontrastreich aneinander gesetzt. Was heute sommerlich heiter wirkt, erschien Anfang des 20. Jahrhunderts noch skandalös. Dieses Bild steht für eine künstlerische Revolution: die Befreiung der Farbe vom Gegenstand, die für den Fauvismus charakteristisch ist – zu dessen Leitfigur Matisse rasch wurde.

Sammler von Teppichen + Decken

Wie programmatisch das Bild ist, lässt sich auch am Fenster ablesen, das zu einem Leitmotiv seines Werks wurde: als symbolisches Auge zur Welt, das der Künstler für den Betrachter öffnet. „La fenêtre ouverte“ entstand im Dorf Collioure nahe der spanischen Grenze; dort verbrachte er 1905 gemeinsam mit seinem Fauvismus-Kollegen André Derain den Sommer. Matisse gefiel dieser Küstenabschnitt nach eigenen Worten besser als die Riviera, so dass er in den Folgejahren wiederkehrte.

Zwischenzeitlich reiste er nach Algerien und Italien. Dortige Motive inspirierten ihn zu gleichfalls berühmten Werken, etwa „Die roten Teppiche“ (1906), einem Bild von intensiver Farbigkeit mit dekorativer Wirkung. Für nordafrikanische Knüpf-Traditionen war der Spross einer traditionsreichen Weberfamilie aus Nordfrankreich sehr empfänglich; fortan sammelte er Teppiche, Decken und Vorhänge, um sie immer wieder zu dekorativen Bildern wie „Stillleben mit Orangen“ zu verarbeiten, das er um 1912 in Tanger malte.

Figuren könnten durch Obstschalen ersetzt werden

Ebenfalls in dieser Phase entstand „Badende mit Schildkröte“ (1907/1908): Drei nackte, extrem schematisch und flächig dargestellte Frauen beugen sich über eine kleine Schildkröte. Offensichtlich stand hier Matisse unter dem Eindruck von Giotto; die Fresken des Frührenaissance-Meisters hatte er in der Scrovegni-Kapelle von Padua gesehen. Ähnlich wie dort reduziert Matisse die Umgebung auf ein Minimum: Er verteilt die Frauengestalten wie Fremdkörper auf der Bildfläche. Ein Ellbogen und ein Gesicht scheinen fast absichtlich schlecht übermalt – hier wird auf jede Illusion von Wirklichkeit verzichtet.

Auch auf Gemälden wie „Laurette mit Kaffeetasse“ (1917), „Großes Interieur, Nizza“ (1919) oder „Frau auf einem Diwan“ (1920/21) bestehen die weiblichen Figuren nur noch aus Farbflächen, die effektvoll in Szene gesetzt werden – gleichwertig mit Tischdecken, Grammophonen oder Blumenvasen. Jede von ihnen könnte ebenso gut durch eine Obstschale ersetzt werden, wie derjenigen auf dem Gemälde „La chaise aux pêches“ („Stuhl mit Pfirsichen“, 1918), die anstelle eines Modells auf der Sitzfläche platziert ist.

Verdunkelte Palette im Ersten Weltkrieg

Zwar verdunkelt sich während des Ersten Weltkriegs seine Farbpalette. Gleichzeitig experimentiert der Künstler auch mit kubistischen Elementen wie bei seiner „Italienerin“ (1916). Auf dem „Französischen Fenster in Collioure“ verselbständigen sich dunkle Farbflächen zu einem fast schon abstrakten Gemälde. Nach dem Krieg darf jedoch die Farbe wieder explodieren, etwa bei Kostümorgien Mitte der 1930er Jahre.

Mit der Schere zeichnen

Gibt es Matisse auch ohne Farbenrausch? Ja: bei seinen Skulpturen. Voluminöse, oft gedrungene Frauenkörper zeigen Ankläge an vermeintlich primitive Kunst und lassen die für seine Gemälde so typische Leichtigkeit komplett vermissen. Geradezu verstörend wirken die in Bronze gegossenen Fleischmassen einer Serie von mannshohen, nackten Rückenansichten „Nu de dos I-IV“ (1930).

Am Ende seines Lebens, durch medizinische Eingriffe geschwächt, griff der Künstler zu Scherenschnitten und Schablonendrucken. Da Matisse kaum noch die Kraft zum Bemalen großer Leinwände hatte, begann er, mit Gouache bemalte Papierbögen auszuschneiden und sozusagen mit der Schere zu zeichnen, um zu „einer auf das Wesentliche reduzierten Form“ zu gelangen. Mit Erfolg: Seine Serie „Blaue Akte“ (1952) oder florale Motive wie „Vierblättrige Blumen“ (1946/47) zählen bis heute zu seinen populärsten Werken.