Karlsruhe

Kunst in Europa 1945–1968 – Der Kontinent, den die EU nicht kennt

Max Beckmann: Der Abtransport der Sphinxe (Detail), 1945, Öl auf Leinwand, 130,5 x 140,5 cm, Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe. Fotoquelle: ZKM Karlsruhe

Der Titel „Kunst in Europa 1945–1968“ ist eindeutig: Es geht um einen Epochen-Überblick über die Nachkriegszeit. Aber was bedeutet „Der Kontinent, den die EU nicht kennt“? Etwa, dass Brüssel Europas kulturelle Vielfalt übersieht? Trotz unzähliger Förderprogramme für alle Sparten von Literatur bis Film; trotz der alljährlichen Kür von Kulturhauptstädten, die ihre Vorzüge in verschwenderischer Fülle präsentieren dürfen?

500 Werke von 200 Künstlern

Dabei ist dieses Vorhaben wahrhaft paneuropäisch angelegt. Die Mammut-Ausstellung mit rund 500 Werken von 200 Künstlern haben Einrichtungen aus drei Ländern gemeinsam auf die Beine gestellt: das Palais des Beaux-Arts (BOZAR) in Brüssel, das ZKM und das Puschkin-Museum mit dem russischen Ausstellungs-Zentrum ROSIZO. Im Sommer 2016 war die Schau in Belgien zu sehen, ab März gastiert sie in Moskau: eine den gesamten Kontinent überspannende Kooperation, wie sie immer noch selten sind – oder schon wieder.

Feature über die Ausstellung mit ZKM-Direktor Peter Weibel; © ZKM

Weltstars neben Einzelgängern

Diese Reichweite von Brest bis Brest-Litowsk macht den Reiz des Unternehmens aus. Es behandelt Künstler aus allen Teilen Europas gleichrangig; Weltstars aus den Metropolen Paris oder London werden neben Einzelgängern aus der Peripherie mit überschaubarem Publikum gezeigt. Natürlich mit regionalen und thematischen Schwerpunkten: Europas kultureller Flickenteppich ist so kleinteilig und dicht, dass jede Bestandsaufnahme auswählen muss.

Doch diese Schau vergleicht Arbeiten aus West und Ost so selbstverständlich miteinander, wie es hierzulande zuletzt vor mehr als einer Dekade geschah: quasi als Rehabilitation der osteuropäischen Nachkriegs-Avantgarden, nachdem sie in den 1990er Jahren erstmals gewürdigt und danach wieder vergessen worden sind.

Propaganda der Polarität

Auf die Zerstörungsorgie des Zweiten Weltkriegs reagierten überall Künstler ähnlich: mit Darstellungen der gequälten Kreatur. Wenige taten das so naturalistisch wie Andrej Wróblewski aus Polen, der 1949 eine ganze Serie von Erschießungs-Opfern malte – und prompt Ärger mit der kommunistischen Zensur bekam. Die meisten Bilder und Skulpturen – etwa vom Briten Henry Moore, dem Deutschen Gerhard Marcks oder Bernard Buffet aus Frankreich – gaben geschundene Leiber stilisiert und anonymisiert als memento mori wider.

Die Gemeinschaft des Gedenkens löste sich aber im Zuge der Blockbildung rasch auf. Ideologische Gegensätze prägte auch die Kunst: Abstraktion galt als Ausdruck von Subjektivität und Individualismus im freien Westen, während im Ostblock der Sozialistische Realismus mit Figuren im Kollektiv herrschte. Die behauptete Polarität war selbst politische Propaganda und bestimmte nie die Praxis: Auf beiden Seiten den Eisernen Vorhang nutzten Künstler beide Formensprachen, und die Übergänge waren fließend.

Kurzfilm-Hymne auf Kunststoff

Dafür findet die Schau anschauliche Paarungen. Fernand Légers farbenfrohes Bauarbeiter-Gruppenporträt „Constructeurs“ von 1951 scheint direkt von Agitprop-Vorbildern des sowjetischen Malers Alexander Denejka inspiriert. Und Picassos Friedenstaube diente DDR-Malern wie Harald Metzkes und Werner Tübke als Symbol für die Hoffnung auf Reformen – oder der Enttäuschung über ihr Scheitern. Dass sowohl Léger als auch Picasso der KP nahe standen, ändert nichts an dieser Migration der Formen über die Blockgrenzen hinweg.

Während Atomrüstung die Angst vor Auslöschung schürte, sorgten zugleich technischer Fortschritt und Wirtschaftswachstum für ungekannte Aufbruchstimmung. Wie euphorisch sie war, demonstriert der Kurzfilm „Le Chant de styrène“ (1958) von Alain Resnais; er sollte im Jahr darauf mit „Hiroshima mon amour“ Filmgeschichte schreiben. Fasziniert gleitet die Kamera an blitzblanken Öltanks, Rüttel- und Spinnmaschinen entlang: Durch Kunststoffe entsteht eine neue Welt.

Dürftige Pop Art in der Planwirtschaft

Dabei fällt auf: Die meisten wurden in Westeuropa erfunden, aber im Osten schnell adaptiert. Allerdings unterschiedlich überzeugend: In Staaten des Warschauer Pakts entstand sehr gelungene Op-art und kinetische Kunst – das Spiel mit optischen und physikalischen Phänomenen war weltanschaulich neutral. Dagegen wirkt Pop Art aus diesen Ländern etwas dürftig: Eine überbordende Warenwelt, die Parodie und Konsumkritik erst sinnvoll macht, fehlte in der Planwirtschaft.

Unübersichtliches Füllhorn

Diese Gemengelage aus Stilen, die sich zeitlich und geographisch überlappen und gegenseitig beeinflussen, will die Schau akribisch ordnen: mit langen Zeitleisten, die alle relevanten Ereignisse auflisten, und einer Unterteilung in viele kleine Kabinette. Vergebens: Dafür ist diese Kunstepoche zu vielgestaltig und experimentierfreudig.

Wenn sich an diesem Total-Panorama etwas bemängeln lässt, dann höchstens seine Überfülle: 500 meist großformatige Exponate und Dutzende von Texttafeln überfordern jeden Besucher. Am besten betrachtet man es als Fundgrube; da lassen sich allerhand interessante Arbeiten von Künstlern entdecken, die sonst im hiesigen Kunstbetrieb kaum vorkommen. Europa ist eben ein kulturelles Füllhorn, das weder Brüssel noch sonst jemand vollständig kennt.