Frankfurt am Main + Hamburg

Herausragend! Das Relief von Rodin bis Picasso

Paul Gauguin: Seid geheimnisvoll , 1890 Lindenholz, bemalt, mit Spuren von dunklem Farbstift, 73 × 95 × 5 cm, Musée d’Orsay, Paris, bpk/RMN – Grand Palais, Paris/Tony Querrec. Fotoquelle: Städel Museum, Frankfurt am Main

Jeder kennt Reliefs, doch man bekommt sie selten zu Gesicht. Am ehesten an Gebäuden: Sie waren und sind ein bevorzugtes Schmuckelement für Fassaden und repräsentative Innenräume. Solche großformatigen Reliefs lassen sich naturgemäß kaum in Ausstellungen transferieren. Auch hier sind nur drei davon in Fotoreproduktionen zu sehen – alle drei von britischen Künstlern, und alle drei aus der Nachkriegszeit. Einer von mehreren merkwürdigen Schwerpunkten dieser Schau.

Drei einfache Kategorien

Nur: Um solches Aushebeln von Regeln zu verstehen, muss man sie kennen. Sie zu erklären, unterlässt die Schau jedoch; sie belässt es bei der simplen Kategorisierung von Flach-, Hoch- und versenkten Reliefs. Die Jahrtausende lange Stilgeschichte von antiken bis zu barocken Reliefs – von außereuropäischen Kulturen in Mittelamerika und Südasien gar nicht zu reden – bleibt außen vor. Als einziger Bezugspunkt zur Tradition wird kurz der Relief-Fries am Parthenon-Tempel auf der Athener Akropolis erwähnt; samt vier Beispielen von Künstlern seit dem Klassizisten Johann Gottfried Schadow, denen er als Vorbild diente.

Feature zur Ausstellung. © Städel Museum

Nagelbild als Plastische Erzählung

Das Parthenon-Kabinett ist eines von 13 „Kapiteln“, die je einem Aspekt von Reliefs gewidmet werden. Manche sind selbst erklärend bis zur Trivialität, etwa die Abteilung „Farbige Reliefs“. Albert Marque ließ seine Marmortafel „Der Schlaf“ (1899) unbehandelt, damit die Steinmaserung sichtbar bleibt. Dagegen bemalten Paul Gauguin, Ernst Ludwig Kirchner und der Nabis-Künstler Maurice Denis ihre Holzreliefs in deckenden Farben. Der auf koloriertes Wachs spezialisierte Symbolist Henry Cros verzierte seine Tafel „Die drei Zauberinnen“ zusätzlich mit farbigen Glaseinlagen.

Andere Abteilungen wirken diffus, genauer: Die gezeigten Werke überdehnen das Thema. So finden sich bei „Plastisch erzählen“ nicht nur Werke der Klassizisten Bertel Thorvaldsen und Christian Daniel Rauch, die klar erkennbar einen Vorgang schildern, sondern auch ein Nagelbild von Günther Uecker. Weil er die Nägel 1962 spiralförmig einschlug, „manifestiert sich das einstige Ereignis bis heute bildhaft; im Nachvollzug der künstlerischen Handlung liegt darüber hinaus ein narratives Element“, so Ko-Kuratorin Eva Mongi-Vollmer. Mit derselben Begründung ließe sich jeder Pinselschwung als Erzählung deuten.

Skulpturen + Bilder als Reliefs

Nachvollziehbarer erscheint die Präsentation von „Malerisch-plastischen Reliefs“. Anders als Skulpturen bestehen Reliefs nicht nur aus dem dargestellten Objekt selbst, sondern umfassen auch den Raum ringsherum. Der lässt sich mit ähnlichen Stilmitteln gestalten wie bei Gemälden. So formte der belgische Naturalist Constantin Meunier nach seiner Pastellzeichnung „Die Scholle“ (1872) eine Bronzetafel samt Ackerfurchen unter und Wolkenballen über sich mühenden Bauern. Der impressionistische Bildhauer Medardo Rosso gestaltete 1886 auch den Luftraum um die Köpfe einer Mutter, die ihr Kind küsst. Und Auguste Rodin ließ seine „Junge Mutter in der Grotte“ 1885 halb in derselben verschwinden.

Wobei diese kleine Gips-Figur jederzeit als herkömmliche Plastik durchginge – wie viele andere Exponate. Umgekehrt füllen allerlei zweidimensionale Bilder die Wände. Sie wurden in die Schau aufgenommen, weil sie ein Relief täuschend echt nachahmen (Philipp Otto Runge, 1802), ein reales Ding imitieren, etwa einen Vorhang (Gerhard Richter, 1967), oder unendlich erscheinende Landschaften suggerieren (Paul Klee, 1931/2). Was solche mehr oder weniger gelungenen trompe-l’oeil-Effekte mit der Kunstform Relief zu tun haben, bleibt unerfindlich.

Leinwandschnitte + Nylonfäden als Reliefs

Oder die phänomenal filigranen Konstruktionen aus Messing und Acrylglas mit Nylonfäden, die Antoine Pevsner und sein Bruder Naum Gabo in den 1940er Jahren entwarfen. Ihr elegantes Wechselspiel aus dynamisch bewegter Materie und umhüllter Leere kommt nur frei stehend zur Geltung, wenn sie allseitig betrachtet werden können – anders als beim Relief mit seiner eindeutig festgelegten Schauseite.

Erst Depotsichtung, dann Konzept

Auch eine flächig gestaltete Bronzeplastik wie der kubistische „Sitzende Mann“ (1919/20) von Jacques Lipchitz oder die raffiniert bemalte „Badende“ (1915) von Alexander Archipenko, die er als „Skulpto-Malerei“ bezeichnete, bleiben dreidimensionale Plastiken mit und ohne Sockel im Raum. Dass man sie an die Wand rücken kann, macht sie noch nicht zum Relief – wenn dieser Begriff irgendeinen fassbaren Sinn haben und nicht völlig beliebig werden soll.

Vielleicht ist die terminologische Unschärfe dem Umstand geschuldet, dass die circa 140 Werke von 100 Künstlern zur Hälfte aus Beständen des Städel Museums und der Hamburger Kunsthalle stammen; dort ist die Ausstellung ab Mitte Oktober in veränderter Form mit neuem Titel zu sehen. Da liegt die Vermutung nahe, dass man sich zunächst aus den hauseigenen Depots bedient hat, um anschließend Konzept und Argumentation daran anzupassen.