Völklingen

Der Deutsche Film – 1895 bis Heute

Szenenbild aus: "Lola rennt", Deutschland 1998; Regie: Tom Tykwer. Abgebildete Person: Franka Potente. Fotoquelle: © Weltkulturerbe Völklinger Hütte

Die Geschichte des deutschen Films zeugt von seiner fortschreitenden Provinzialisierung – dieser Eindruck drängt sich beim Rundgang durch die Gebläse- und Verteilerhalle der Völklinger Hütte auf. Wobei dahingestellt bleiben mag, ob das einstige Stahlwerk mit seinen massigen Kesseln, Rohren und anderen Einbauten aus der erdenschweren Frühindustrialisierung der optimale Ausstellungsort ist für das lichte und immaterielle Medium Film, das sie seit jeher transzendiert.

Defilée der Filmgrößen

Was eine ausgefeilte Gliederung in zehn Abschnitte halbwegs ausgleicht. Rund 120 mehr oder weniger einflussreiche Filme werden ausführlich vorgestellt, außerdem ein gutes Dutzend bedeutender Filmschaffender: Schauspielstars wie Marlene Dietrich oder Hildegard Knef, Drehbuchautoren wie Wolfgang Kohlhaase, Produzenten wie Artur „Atze“ Brauner, aber auch kaum bekannte Filmarchitekten wie Erich Kettelhut und Kostümbildnerinnen wie Aenne Willkomm: Beide schufen 1927 die visionäre Ausstattung von „Metropolis“.

Trailer zur Ausstellung; © Weltkulturerbe Völklinger Hütte

Ein Kanon, der keiner sein soll

Die Auswahl der Filme solle keinen Kanon festlegen, beteuert Kinemathek-Direktor Rainer Rother. Selbstredend tut sie es doch: Indem sie bislang weniger beachtete Werke wegen vermeintlicher Relevanz auf eine Ebene mit anerkannten Klassikern hebt und dadurch aufwertet, wie auch jede Filmpreis-Nominierung. Dabei setzt sie durchaus eigenwillige Akzente, etwa bei der ausgiebigen Berücksichtigung von Filmen mit queeren Sujets.

Dass „Anders als die Anderen“ (1919) als erster Film über Homosexualität überhaupt und „Mädchen in Uniform“ (1931), der erstmals lesbische Liebe thematisierte, ebenso zu den Top-120 zählen wie Rosa von Praunheims skandalumwitterte Abrechnung „Nicht der Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt“ von 1971, dürfte unstrittig sein.

Spannende Entdeckungen

Dass aber auch das homophobe Machwerk „Anders als Du und Ich (§175)“ (1957) des NS-Hetzfilm-Regisseurs Veit Harlan und „Große Freiheit“ (2021) über Strafverfolgung von Schwulen vor 1969 gleichfalls dazu zu rechnen sind, befremdet genauso wie ein Nachbau des kompletten Filmstudios für ein 1958 gedrehtes „Mädchen in Uniform“-Remake, in dem Romy Schneider und Lilli Palmer sich küssen. Wie aufregend! Solches Bedienen von special-interest-Minderheiten ähnelt dem Berlinale-Programm, für das die Kinemathek alljährlich die Retrospektive ausrichtet.

Das Gros der Filme dürfte natürlich den meisten Cinephilen bekannt sein. Nichtsdestoweniger lassen sich spannende Entdeckungen machen: etwa „Nerven“ von 1919. Darin übersetzte Regisseur Robert Reinert die Auflösungserscheinungen des zerfallenden Kaiserreichs in einen fiebrig-assoziativen Bilderbogen. Sein expressionistisches Meisterwerk galt lange als verschollen und wurde 2009 rekonstruiert. Oder „Unter den Brücken“: In der Endphase des Zweiten Weltkriegs gedreht, kam der poetisch-realistische, betont unideologische Film von Helmut Käutner erst 1950 in die Kinos.

Anfänge mit weltweiter Ausstrahlung

Da hatte der deutsche Film seine innovativste Phase schon lange hinter sich. Seine größte internationale Strahlkraft besaß er in der Anfangszeit. Die Dänin Asta Nielsen wurde mit deutschen Produktionen zum ersten Kino-Weltstar; ihre Stummfilme waren von Mexiko bis Indonesien zu sehen. Expressionistische Filme wie „Das Cabinet des Dr. Caligari“ oder „Von Morgens bis Mitternachts“ (beide 1920) verknüpften erstmals bildende Kunst mit dem Kino; diese stilbildende Fusion hallt bis heute nach.

Mit „Nosferatu: Eine Symphonie des Grauens“ erfand Friedrich Wilhelm Murnau 1922 den Horrorfilm. Walter Ruttmann setzte in „Berlin. Die Sinfonie der Großstadt“ durch furiose Montage neue Standards für Dokumentarfilme. Ganz zu schweigen von „Metropolis“: Fritz Langs delirierende Ausstattungsorgie, wiewohl anfangs ein Flop, definierte für kommende Jahrzehnte die kollektive Vorstellung von Science-Fiction- und Fantasy-Filmen.

Wegweisende Propagandafilme

Auch technische Neuerungen kamen aus Deutschland. Arnold Fanck ließ für seine Bergfilme wie „Der weiße Rausch. Neue Wunder des Schneeschuhs“ (1931) die Kameras direkt auf Skibretter der Läufer montieren – derartige Action-Bilder finden sich in jeder heutigen Winter- oder Rennsport-Reportage. Seine Lieblings-Schauspielerin war übrigens Leni Riefenstahl, die in der NS-Zeit ins Regiefach wechselte. Ihre Propagandafilme über Reichsparteitage oder die Olympiade 1936, so ideologiegesättigt sie waren, prägten maßgeblich die Selbstdarstellung totalitärer Regime.

Versteht sich: Die Nazi-Diktatur markierte den großen Bruch auch im Kino. Rund 2000 jüdische Filmschaffende emigrierten und nahmen ihren Esprit mit nach Hollywood; etliche andere wurden mit Berufsverbot belegt. Dennoch waren es nach dem Zweiten Weltkrieg deutsche Filme wie „Ehe im Schatten“ (1947) in Ost- und „Morituri“ (1948) in Westdeutschland, die erstmals das Grauen von NS-Verfolgung und Shoa auf der Leinwand zeigten – wofür das Publikum noch kaum bereit war.

Ausland als deutsches Nischen-Thema

Vorbei: Spätestens seit der Jahrtausendwende beackern deutsche Regisseure vorzugsweise heimische Gefilde – was einer der Gründe sein dürfte, warum sie in der Fremde kaum Resonanz finden. Ausland und Ausländer gelten allenfalls als Nischen-Themen für migrantische Filmemacher oder TV-Produktionen. Der letzte erfolgreiche deutsche Kinofilm, der in exotischen Gefilden spielt, nämlich in Kenia, war „Nirgendwo in Afrika“ (2001) von Carole Link – Oscar-prämiert, aber von heimischen Kritikern als zu sentimental abgetan.

Zu populär für diese Ausstellung

Wie sehr Produzenten und Zuschauer auf nationale Nabelschau abonniert sind, zeigt das Beispiel von „Zwischen Welten“ (2014). Darin beleuchtet Regisseurin Feo Aladağ die Dilemmata des Bundeswehreinsatzes in Afghanistan – einem epochalen Einschnitt in der deutschen Außenpolitik. Mit Ronald Zehrfeld in der Hauptrolle prominent besetzt und packend inszeniert, erhielt der Film zahlreiche Preise – und scheiterte an der Kinokasse.

Wobei Ausnahmen die Regel bestätigen: Die Komödie „Willkommen bei den Hartmanns“, die 2016 geistreich und satirisch die Folgen der Flüchtlingskrise aufgriff, lockte vier Millionen Besucher in die Kinos. Der Kassenschlager von Simon Verhoeven kommt jedoch in dieser Ausstellung nicht vor: Er war den Kuratoren wohl zu leichtgewichtig.